Sailor Moon Approfondimento – Capitolo 12: Eredità per nuove generazioni

 

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I Grandi Miti Animati di Stradenuove: l’animazione giapponese tra filologia, musica e l’eccellenza editoriale di Phacelia

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In questa rubrica vi abbiamo presentato parte dei grandi miti animati giapponesi degli anni ’70, ’80, ’90 e 2000. Continueremo la nostra mini enciclopedia, scandita da reportage-approfondimenti come questi sui titoli ormai entrati nella storia di anime e manga, così come i loro autori.

Sailor Moon Approfondimento – Capitolo 10: Dibattito Fan.

Toei Animation (Luglio 2014): “Il primo episodio ha superato il milione di visualizzazioni su Niconico in soli due giorni, confermando l’attesa globale.”

Anime News Network (Review Season 3): “Con l’arrivo di Chiaki Kon, Crystal ha finalmente trovato un equilibrio visivo degno della profondità del manga.”

Oricon / Box Office Mojo (2023): “I film della saga Cosmos hanno debuttato nella top 10 giapponese, consolidando la forza commerciale del brand.”

La ricezione di Sailor Moon Crystal è stata un campo di battaglia culturale tra due generazioni di fan: i nostalgici del “Filler-Style” anni ’90 e i puristi del manga di Naoko Takeuchi. Fin dal debutto nel 2014, il dibattito si è polarizzato sulla qualità tecnica: sebbene il simulcast globale su Niconico abbia registrato numeri da record (oltre un milione di views per il primo episodio), la community si è scagliata contro l’uso della CGI nelle trasformazioni e la rigidità anatomica dei primi 26 episodi.

Il pubblico ha però lodato massicciamente la fedeltà narrativa, preferendo una Usagi che cresce rapidamente verso la consapevolezza del suo ruolo regale, libera dalle lungaggini infantili dell’anime storico. Con l’arrivo della terza stagione (Infinity) nel 2016, la regia di Chiaki Kon ha segnato la vera svolta: il design è stato ammorbidito e i combattimenti resi più dinamici, recuperando gran parte del pubblico scettico e ottenendo recensioni positive su testate specializzate come ANN. In Crystal, le Sailor Guardians recuperano la dignità di guerriere attive prevista da Takeuchi: pur non raggiungendo livelli di forza fisica paragonabili a shonen d’azione pura, la loro efficacia tattica e la drammaticità degli scontri riflettono fedelmente il ritmo serrato del materiale originale.

La stabilità del rapporto Usagi-Mamoru, privo di rotture arbitrarie, ha cementato la lealtà dei fan che per decenni avevano criticato i subplot romantici forzati della Toei. Nonostante le divergenze estetiche iniziali, Crystal ha vinto la sfida del riposizionamento: Sailor Moon non è più solo un ricordo d’infanzia, ma un’epopea fantasy matura capace di dominare i trend globali. Il successo finale dei film Eternal (2021) e Cosmos (2023), con incassi superiori ai 500 milioni di yen per capitolo nel solo mercato giapponese, dimostra che l’eredità di Naoko è più viva che mai, capace di generare ancora oggi un impatto culturale ed economico massiccio a livello mondiale.

(continua nella prossima uscita – Per leggere tutto il reportage/approfondimento clicca sugli autori che hanno firmato questo articolo: ti appariranno tutti i loro contributi)

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FOCUS: Da robot di Tokyo a praterie neozelandesi: la rivoluzione dei set dei Power Rangers da Disney a oggi / 1 – parte 12

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Le Rose di Versailles, il legame indissolubile tra Oscar e Maria Antonietta tra Manga e Anime: Capitolo 4

L’opera seminale di Riyoko Ikeda, Berusaiyu no Bara (Le Rose di Versailles), rappresenta un affresco storico in cui la finzione si mescola perfettamente alla realtà della Rivoluzione francese. Al cuore di questa narrazione si colloca il rapporto complesso e simbiotico tra Oscar François de Jarjayes e Maria Antonietta d’Asburgo-Lorena, due figure legate da un destino speculare di “esseri senza scelta”. Entrambe le donne sono prigioniere di ruoli imposti dall’autorità paterna o politica: Oscar è costretta a vivere come un uomo per garantire la successione militare, mentre Maria Antonietta deve rinunciare alla propria identità per diventare un simbolo della monarchia.

Un’amicizia profonda e ambigua

Oscar non è soltanto la guardia del corpo della Regina, ma la sua unica vera amica in un ambiente dominato dall’intrigo. Tra le due nasce un rapporto di reciproca stima che attraversa i decenni, sebbene si incrinerà progressivamente a causa delle diverse posizioni politiche e dell’amore condiviso per il conte di Fersen. Nel manga, Ikeda esplicita una forte ambiguità sessuale: Maria Antonietta prova un’attrazione per Oscar che flirta con il desiderio romantico, affascinata dalla sua bellezza androgina che rappresenta una via di fuga dalla rigidità dei ruoli femminili di corte. Al contrario, l’anime nobilita questo legame trasformandolo in un’amicizia “pura” e virile, spostando il baricentro emotivo sul triangolo amoroso con Fersen.

Differenze strutturali: focus e protagonismo

Una delle discrepanze maggiori tra i due linguaggi risiede nella focalizzazione narrativa. Il manga è un’opera corale dove Maria Antonietta rimane il perno centrale, specialmente nella prima parte, come suggerito dal titolo originale al plurale che fa riferimento alle diverse “rose” di Versailles. L’anime, invece, identifica immediatamente in Oscar l’asse portante, approfondendone la psicologia e trasformando la Regina in una figura di supporto che diventa progressivamente il simbolo di un ordine sociale da abbattere.

Il tono e l’uso dell’umorismo

Anche il tono generale varia drasticamente: se l’anime è caratterizzato da una tragedia costante, sostenuta da una colonna sonora malinconica e dall’assenza di umorismo, il manga offre disegni più comici e “faccine buffe” che spezzano il dramma. Questi momenti, tipici dello shōjo degli anni ’70, servivano a rendere i personaggi più vicini al giovane pubblico femminile, mentre la serie TV acquisisce, specialmente sotto la regia di Osamu Dezaki, una gravità cinematografica e introspettiva.

La fine di un’epoca: due finali distinti

La rottura definitiva avviene con lo scoppio della Rivoluzione. Nell’anime, il distacco è segnato dal tormento etico di Oscar, che sceglie di stare dalla parte del popolo perché non può più restare inerme di fronte alla sofferenza dei singoli. Il congedo finale nell’anime è una sobrietà straziante, con la Regina che guarda Oscar allontanarsi conscia che non si rivedranno mai più.

La differenza più macroscopica riguarda però l’epilogo:

• L’anime si conclude poco dopo la morte di Oscar durante la presa della Bastiglia, lasciando le vicende finali della famiglia reale a un breve riassunto narrato.
• Il manga prosegue per diversi volumi, dedicando ampio spazio alla prigionia, al processo e alla morte di Maria Antonietta.

In queste pagine finali, Ikeda restituisce alla Regina una statura regale e una dignità eroica nel dolore, permettendole un riscatto morale che l’anime le nega, rendendola una vittima passiva della storia. In definitiva, mentre l’anime è un inno al romanticismo individuale, il manga rimane una lezione di storia e politica che utilizza il legame tra queste due donne per illuminare la nascita della consapevolezza moderna.

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Sailor Moon Approfondimento – Capitolo 9: Colonna Sonora Evoluta

Yasuharu Takanashi (compositore): “Cori mistici e sintetizzatori per matchare atmosfera dreamy-romantica.”

Momoiro Clover Z (opening): “Moon Pride progettato per hype-building con lyrics su destino lunare.”

Naoko Takeuchi (approvazione OST): “Toni approvati per riflettere il manga.”

Yasuharu Takanashi rileva Motoyuki Arisawa con una colonna sonora digitale moderna per Sailor Moon Crystal, rilasciata in album come “Original Soundtrack I/II” (2014-2015): choir gregoriani mistici dominano il cue “Legend of the Moon” (Tsuki no Densetsu, 4:52) per il risveglio di Queen Metalia, sintetizzatori eterei pulsanti per le sequenze di trasformazione “Star Power Make Up!” (5:30), e archi drammatici in “Tuxedo Night” (5:41) che underscora l’ingresso di Tuxedo Mask.

L’opening “Moon Pride” (TV size, Momoiro Clover Z) è un’esplosione J-rock idol con chitarre distorte e cori femminili potenti, durando 1:30 in versione edit ma estesa a 5:00 full, progettato per hype-building con lyrics su destino lunare. Gli ending alternano: “Gekko” (Yuuhi Hashimoto, 4:45) dark e atmosferico con piano malinconico per l’arco Black Moon, “Watashi-tachi no Romantic Universe” upbeat pop per Infinity. Vs l’orchestra sinfonica Arisawa degli anni ’90 – leitmotif ricorrenti come violini struggenti per Usagi-Mamoru in “Moonlight Densetsu” – Takanashi opta per loop elettronici modulari per efficienza budget streaming, choir sovrapposti per epicità contro Galaxia in “Shadow Galaxia” (OST II), e percussioni taiko per battaglie.

Sound design specifico: SFX digitali ad alta frequenza per le penne Cutie Moon Rod (sparkle cristallino), eco riverberati per Silver Crystal activation vs il crackle organico cel ’90. Tracce character-specifiche in “Crystal Collection” (2015): “Whether it Rains or Shines” (Usagi, Kotono Mitsuishi, 5:00), “Sea of Fire” (Rei, Rina Sato, 4:00), “Cherry Pie” (Makoto, Ami Koshimizu, 5:00). Fan lodano immersione nei film Cosmos per cue “Moonrise in Your Eyes” (Mamoru, 4:30), ma criticano ripetitività primi episodi su IMDb: “musica forgettable oltre OP”. Naoko Takeuchi approvò i toni per matchare l’atmosfera dreamy-romantica del manga, come nei crediti OST. Questa evoluzione sonora supporta il pacing filler-free. Qual è stata la reazione complessiva dei fan?

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Sailor Moon Approfondimento – Capitolo 8: Transizione ad Animazione Digitale

Toei Animation (annuncio 2014): “Passaggio a digitale/CGI per sequenze complesse come trasformazioni.”

Chiaki Kon (Infinity): “Software avanzato come RETAS per fluidità migliorata nei combattimenti.”

Munehisa Sakai: “Reuse asset digitali per efficienza, prioritarizzando fedeltà visiva.”

Mentre la serie originale degli anni ’90 si affidava all’animazione cel hand-drawn tradizionale con circa 24 frame al secondo per movimenti fluidi e naturali – catturando il fruscio realistico dei capelli durante salti acrobatici di Sailor Jupiter o le torsioni espressive del corpo in pose da battaglia – Sailor Moon Crystal compie un netto passaggio alla produzione digitale moderna fin dal primo episodio del 5 luglio 2014, integrando CGI pesante per sequenze complesse come le penne luminose Cutie Moon Rod che ruotano in spirali tridimensionali e nastri energetici della Moon Tiara che si avvolgono intorno ai nemici.

Questa innovazione tecnica, evidente nelle trasformazioni iniziali, è stata rapidamente criticata come “clunky” e “robotica” dalla community: i movimenti delle braccia durante le pose iconiche rimangono bloccati per 5-7 frame consecutivi senza transizioni morbide, le gambe slittano su superfici ghiacciate con trazione digitale inconsistente che manca di peso fisico, e le interpolazioni frame automatiche creano un’illusione di fluidità artificiale percepita come “jerky” e innaturale su televisori 60Hz ad alta risoluzione, come documentato in recensioni CBR e thread Reddit con centinaia di commenti. Le proporzioni willowy del design manga variano drammaticamente tra inquadrature: Sailor Moon appare improvvisamente 10% più slanciata nelle scene action rispetto ai close-up romantici con Mamoru, esagerando l’eredità di Takeuchi ma generando incoerenza anatomica che distrae durante i combattimenti contro i Quattro Re.

Il vero polish HD emerge pienamente dalla stagione Infinity (2016, ep.39+), con fluidità migliorata nei combattimenti grazie a software Toei avanzato tipo RETAS/Digital Paint, sfondi statici ma dettagliati che accentuano il pacing veloce senza sovraccaricare il budget bimestrale, e CGI raffinata per elementi iconici come le ali traslucide di Super Sailor Moon che brillano con particelle luminose fedeli al manga volume 10. Rispetto al cel ’90 – che manteneva un calore tattile organico nonostante i limiti di budget TV, con linee irregolari e shading manuale che davano imprevedibilità umana – il digitale permette un reuse efficiente di asset complessi (es. capelli fluttuanti riutilizzati in 20+ episodi), riducendo drasticamente i costi per coprire 52 episodi TV più i film Eternal/Cosmos in tempi record.

I fan hanno notato specificamente trasformazioni “PS1-like” nelle prime stagioni per via di texture low-poly, evolute in eleganti sequenze full-CGI nei film del 2023. La supervisione di Naoko Takeuchi ha prioritarizzato la fedeltà visiva al manga sulla fluidità pura dell’animazione, accettando compromessi digitali per preservare l’estetica originaria. Questa evoluzione tecnica pone le basi per le critiche più approfondite. Quali sono le lamentele specifiche che hanno dominato i forum?

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Sailor Moon Approfondimento – Capitolo 7: Design

Yukie Sakō (designer stagioni 1-2): “Adattato stile willowy del manga con silhouette slanciate per trasformazioni.”

Kazuko Tadano (da Infinity): “Aggiunto espressività muscolare per bilanciare grazia e azione.”

Naoko Takeuchi: “Fedeltà alle tavole originali, con proporzioni esagerate per grazia eterea.”

Sailor Moon Crystal replica meticolosamente lo stile artistico del manga di Naoko Takeuchi pubblicato su Nakayoshi dal 1991 al 1997, caratterizzato da figure longilinee tipiche dello shojo con proporzioni esagerate fedeli alle tavole originali: arti allungati del 10-15% oltre il realistico per enfatizzare grazia eterea, capelli voluminosi che fluttuano in ciocche romantiche e dinamiche durante pose iconiche, occhi grandi e liquidi con riflessi stellari per trasmettere emozioni immediate, e palette colori pastello dominante – rosa lunare, viola mistico, oro regale – che evocano l’atmosfera onirica del Silver Millennium come nelle splash page del volume 1.

Nei primi episodi trasmessi su Niconico dal 5 luglio 2014, il character designer Yukie Sakō adatta questi elementi con fedeltà assoluta, creando silhouette slanciate per le trasformazioni che riproducono esattamente le pose da modella delle Sailor Guardians nel manga – braccia arcuate sopra la testa, gambe leggermente flesse per Moon Tiara Action – ma generando critiche immediate per esagerazioni che rendono le guerriere “troppo modelle-like e meno atletiche”, con torsioni innaturali che enfatizzano slimness su forza. A partire dalla stagione 3 Infinity (2016, episodi 39-52), Kazuko Tadano – veterana designer della serie originale ’90 – interviene per bilanciare questa estetica, aggiungendo espressività muscolare sottile nei volti durante i combattimenti (sopracciglia aggrottate per Rei, lacrime determinate per Usagi) e pieghe fluide negli outfit come le gonne plissettate che ondeggiano realisticamente, rendendo Super Sailor Moon più imponente e volumetrica proprio come nelle tavole del manga volume 12 con la posa per Moon Princess Halation che carica energia tra le mani.

Gli sfondi dreamy in stile watercolor – nuvole soffici e traslucide, palazzi lunari con bagliori iridescenti, giardini crystalini di Crystal Tokyo – contrastano intenzionalmente con i personaggi saturi di colore per enfatizzare la separazione tra mondo terreno e cosmico, un trucco visivo diretto dalle tecniche di Takeuchi per transizioni oniriche tra capitoli. Questa fedeltà visiva distingue nettamente Crystal dalla serie originale degli anni ’90, più cartoonish e semplificata per produzione cel economica destinata a TV infantile, dove i design erano arrotondati e accessibili per attrarre bambini senza la raffinatezza shojo matura.

L’evoluzione del design riflette feedback fan reali durante la trasmissione bimestrale: i primi episodi privilegiano fedeltà statica al manga, mentre le stagioni successive incorporano dinamismo action-oriented per schermi HD streaming, mantenendo però l’essenza willowy come marchio distintivo supervisionato da Takeuchi stessa. Questo approccio visivo prepara il terreno per le sfide dell’animazione digitale. Come gestisce Crystal la transizione tecnica da cel a CGI con queste proporzioni uniche?

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I grandi miti dell’animazione – Il ritorno nel 2025: nostalgia o rilevanza culturale? – parte 17

In questa rubrica vi abbiamo presentato parte dei grandi miti animati giapponesi degli anni ’70, ’80, ’90 e 2000. Continueremo la nostra mini enciclopedia, scandita da reportage-approfondimenti come questi sui titoli ormai entrati nella storia di anime e manga, così come i loro autori.

Continuiamo il nostro viaggio nell’universo di Go Nagai. Nella precedente uscita abbiamo analizzato Actarus come eroe malinconico e i personaggi di supporto.

E ora, dopo quasi cinquant’anni dalla prima storica trasmissione, Goldrake torna prepotentemente. Arrivata in Italia il 4 aprile 1978 su Rai2, la serie divenne immediatamente un successo travolgente e inaspettato. Per celebrare degnamente il cinquantesimo anniversario, Rai2 propone una versione accuratamente restaurata e tecnicamente aggiornata della serie classica[1].

Gli ascolti del ritorno sono estremamente interessanti da analizzare con attenzione. Il 5 ottobre 2025, lo share della rete Rai 2 è passato drasticamente dall’1,6% della trasmissione precedente al 4,2% del primo episodio restaurato, con un picco impressionante di 4,6% e relativi 721.000 spettatori effettivi durante il secondo episodio trasmesso[2,3]. Numeri che sono risultati sorprendentemente paragonabili a Che Tempo Che Farà sul Nove, programma di punta che ha raggiunto 719.000 spettatori con il 4,2% di share nella stessa serata[4].

Certo, siamo obiettivamente lontani dagli share assolutamente leggendari degli anni ’70 che toccavano punte incredibili. Ma in un’epoca attuale di frammentazione totale e irreversibile dell’audience televisiva, dove Netflix, Prime Video, Disney Plus, YouTube e letteralmente mille altre piattaforme digitali si spartiscono ferocemente gli spettatori frammentati, 700.000 persone che si sintonizzano tutte insieme contemporaneamente su Rai 2 per vedere un cartone animato di cinquant’anni fa è oggettivamente un piccolo miracolo mediatico inspiegabile.

E c’è anche il reboot completamente nuovo, Goldrake U prodotto da Gaina. Il 7 gennaio 2025 su Rai 2, la nuova serie animata Goldrake U, in prima visione assoluta mondiale, ha entusiasmato una media impressionante.

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Fonti:

1. StaseraInTV, “Goldrake festeggia 50 anni con tutti gli episodi ed inediti in onda su Rai 2” (October 5, 2025)
2. MegaNerd.it, “Goldrake, il ritorno su Rai2 è un successo” (October 6, 2025)
3. Gamesurf, “Goldrake: il ritorno su Rai 2 è un successo” (October 6, 2025)
4. Fumettologica, “Quanti spettatori ha fatto Goldrake su Rai 2” (October 7, 2025)

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Sailor Moon Approfondimento – Capitolo 3: Eliminazione dei filler

Yūji Kobayashi (sceneggiatore, artbook Crystal): “Senza spazio per filler, ho focalizzato su trama principale e cliffhanger per accelerare il ritmo.”

Naoko Takeuchi (supervisione, Nakayoshi 2014): “Eliminare distorsioni commerciali per fedeltà al source material.”

Munehisa Sakai (direttore): “Crystal elimina filler per un adattamento essenziale, coprendo archi in metà episodi rispetto agli anni ’90.”

La serie originale degli anni ’90, prodotta da Toei Animation dal 1992 al 1997, conteneva circa il 50% di episodi filler per allungare la trasmissione TV: esempi includono spotlight individuali sulle Sailor Guardians come episodi scolastici, tornei di beach volley o avventure umoristiche con nemici minori creati ad hoc, che ritardavano l’introduzione di Rei Hino (Sailor Mars) fino all’episodio 10 per riempire i 46 episodi del primo arco.

Sailor Moon Crystal eliminò sistematicamente questi contenuti non canonici, introducendo Rei con le stesse tempistiche del manga di Naoko Takeuchi, accelerando il ritmo narrativo per privilegiare l’azione principale, i cliffhanger e le rivelazioni cosmiche senza diluizioni slice-of-life. Beryl emerge come antagonista puro male, priva delle backstory estese e giustificazioni complesse sviluppate nei filler originali – dove aveva monologhi redentivi o legami con Metallia – focalizzandosi invece sulla sua ossessione manghesca per Endymion. Al contempo, i Quattro Re del Cielo guadagnano dettagli fedeli al manga, presentati come reincarnazioni traditrici del principe della Terra, assenti o marginali nella serie ’90.

Sailor Venus assume il ruolo esplicito di leader delle Inner Senshi, una promozione narrativa diretta dalle pagine di Takeuchi che nell’originale era decentrata tra le protagoniste. Questo pacing serrato ha diviso i fan: i puristi lodano l’accuratezza e l’assenza di distrazioni, permettendo di coprire archi completi in metà degli episodi rispetto ai 200 totali degli anni ’90; i nostalgici rimpiangono la profondità umoristica e lo sviluppo secondario che i filler offrivano, come amicizie consolidate in episodi leggeri, rendendo Crystal più “streamlined” ma percepito come meno espansivo emotivamente. L’approccio riflette la supervisione diretta di Takeuchi per eliminare distorsioni commerciali, trasformando un adattamento TV in un’opera fedele al source material. Come ha impattato questa scelta sulle dinamiche relazionali principali?

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Come Power Rangers divenne una macchina economica globale – parte 5

In questa rubrica abbiamo raccontato alcuni dei grandi miti dell’animazione giapponese degli anni ’70, ’80, ’90 e 2000. Continueremo la nostra mini-enciclopedia con reportage e approfondimenti dedicati ai titoli ormai entrati nella storia di anime e manga, così come ai loro autori.

Tra le figure che hanno lasciato un segno profondo nell’immaginario televisivo di più generazioni spicca Haim Saban, entrato nella storia dell’intrattenimento come l’architetto sonoro dell’infanzia degli anni ’80 e ’90 e, soprattutto, come il “papà” dei Power Rangers.

Il successo dei Power Rangers negli Stati Uniti fu soltanto l’inizio di una storia molto più grande. Saban Entertainment costruì infatti una rete di distribuzione globale estremamente capillare, trasformando un fenomeno televisivo locale in un vero e proprio marchio internazionale.

Già nel 1994 la società aprì uffici a Londra, Parigi, Tokyo, San Paolo e Sydney, espandendo progressivamente la propria presenza fino a raggiungere 28 sedi nel mondo entro il 1998. Le serie vennero doppiate in numerose lingue e distribuite in decine di paesi, mantenendo intatta l’energia delle scene d’azione e permettendo ai bambini di tutto il mondo di sentirsi parte della stessa avventura.

Italia, Francia e Germania: il fenomeno europeo

In Italia, Power Rangers divenne rapidamente un cult televisivo grazie alla programmazione di Italia 1, che negli anni Novanta trasmise la serie con numerose repliche. Il successo si rifletté anche nel merchandising, con una forte presenza di giocattoli distribuiti da Giochi Preziosi e altre aziende del settore.

Anche in Francia la serie ottenne grande popolarità, grazie alla messa in onda su TF1, mentre le action figure prodotte da Joustra entrarono stabilmente tra i giocattoli più richiesti durante il periodo natalizio.

In Germania, la programmazione su RTL 2 contribuì a trasformare la serie in un fenomeno generazionale, sostenuto da un mercato di prodotti e licenze molto attivo.

Brasile, Giappone e Asia: un fenomeno globale

In Brasile, l’emittente Globo lanciò la serie con grande successo, contribuendo a diffonderla in tutta l’America Latina. Il Megazord prodotto da Estrela divenne uno dei giocattoli più iconici per i fan brasiliani.

Il Giappone, invece, rappresentava il cuore creativo del progetto. Qui venivano prodotte le serie originali Super Sentai dalla casa Toei, da cui provenivano gran parte delle sequenze d’azione utilizzate negli adattamenti occidentali. Bandai, dal canto suo, sviluppava le linee di giocattoli legate al franchise.

Questa collaborazione tra produzione giapponese e adattamento occidentale costituiva una sinergia particolarmente efficace.
Nel resto dell’Asia e in diversi mercati internazionali, la serie venne distribuita attraverso numerose emittenti televisive, contribuendo a consolidare l’immagine dei Power Rangers come uno dei franchise per ragazzi più diffusi al mondo.

I giocattoli Power Rangers più venduti

Tra i prodotti legati alla serie, alcuni giocattoli sono diventati particolarmente popolari tra i fan:

1. Deluxe Megazord (1994)
2. Power Morpher (1993)
3. Dragonzord (1994)
4. Action figure White Ranger Tommy (1994)
5. Red Ranger T-Rex Zord (1993)
6. Serpentera di Lord Zedd (1995)
7. Dragon Dagger del Green Ranger (1994)
8. Command Center Dome (1994)
9. Gold Ranger Zeo (1996)
10. Lightning Collection MMPR (dal 2019)

Questi prodotti contribuirono in modo decisivo alla trasformazione dei Power Rangers in un fenomeno economico globale, dimostrando come la combinazione tra televisione, merchandising e licenze commerciali potesse generare un modello di business estremamente efficace.

(continua nella prossima uscita)

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